Der amerikanische Komponist und Gitarrist Pat Metheny gilt seit den 1970er Jahren als eine der wichtigsten Schlüsselfigurendes zeitgenössischen Jazz. Auf Basis mitunter völlig disparater Stile, wie Bebop, Free Jazz, Minimal Music, Pop, Klassik, Fusion, Jazz-Rock, Folk, New Age und brasilianischer Musik entwirft er nicht zuletzt mithilfe eines neuartigen Instrumentariums einen dezidiert persönlichen Klangkosmos. Das Resultat ist Musik mit aktueller Relevanz, die Traditionen integriert und dennoch auf zukunftsweisende musikalische Fusionierungen einer globalisierten (Musik-)Welt verweist.
Der vorliegende Band thematisiert das Werk Methenys systematisch im Zeitraum von 1974–1994. Basis der Untersuchung sind Transkriptionen ausgewählter Werke, die in den zeitgeschichtlichen Kontext eingeordnet und nach musikwissenschaftlichen Kriterien analysiert werden. Im Fokus steht überdies der Begriff „Sound“, der sowohl in seiner klanglichen Dimension als auch im Sinne eines spezifischen Personalstils zur Anwendung kommt. ZielSetzung ist die umfassende musikhistorische und stilistische Verortung der Musik Methenys.
Dr. Georg Alkofer studierte Jazzgitarre, klassische Gitarre, künstlerisches Lehramt für Musik an Gymnasien, Germanistik, Geschichte sowie Musikwissenschaft. Er arbeitet an den Schnittstellen künstlerischer, musikpädagogischer und musikwissenschaftlicher Tätigkeit als Musiker und Dozent. www.georgalkofer.de
Aktualisiert: 2022-03-20
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Wann sind hohe Männerstimmen „anders“? Und wie gehen Komponist*innen, Interpret*innen und Publikum in unterschiedlichen zeitlichen, ästhetischen und institutionellen Kontexten mit den Facetten des „Anderen“ im Hinblick auf Stimme, Klang, Interpretation und Rollenprofile um? Im Zentrum der Publikation stehen aktuelle Forschungsfragen rund um das Faszinosum der hohen Männerstimme im Spannungsfeld zwischen historisch gewachsenen Geschlechterkonstruktionen, Wahrnehmungsmechanismen und Darstellungsästhetik: vom Kastratengesang im 17. und 18. Jahrhundert über Stimm- und Klangphänomene in Pop und Rock bis zum Musiktheater der Gegenwart.
Aktualisiert: 2022-03-19
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Die Geschichte der populären Musik im 20. und 21. Jahrhundert ist eng
mit Technologien und Medien der Klangproduktion, -speicherung und
-wiedergabe verknüpft. Durch deren Entwicklung und Verbreitung wurden
die Möglichkeiten des Herstellens, Vermittelns und Erlebens von Musik
stark erweitert und transformiert. Die in "Audiowelten" versammelten 22
Objektstudien nähern sich diesen technologischen, medialen und
musikkulturellen Veränderungen durch detaillierte Beschreibungen von
konkreten Einzelobjekten sowie ihren Entstehungs- und Nutzungskontexten
- von der Nachkriegszeit bis zur Gegenwart.
Aktualisiert: 2022-01-27
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Die Geschichte der Musik im 20. und 21. Jahrhundert ist eng mit Medientechnologien verknüpft. Durch die Entwicklung von Apparaten und Objekten der Musikproduktion, der Speicherung und Wiedergabe wurden die Möglichkeiten des Herstellens und Erlebens von Musik stark transformiert. Das Buch widmet sich aus theoretischen, methodologischen sowie sammlungs- und ausstellungspraktischen Perspektiven den Musikobjektgeschichten der populären Kultur.
Aktualisiert: 2022-03-31
Autor:
Miriam Akkermann,
Mario Anastasiadis,
Benjamin Burkhart,
Christina Dörfling,
Andreas Fickers,
Stefan Gauß,
Hans Peter Hahn,
Sarah-Indriyati Hardjowirogo,
Anne-Kathrin Hoklas,
Christofer Jost,
Stefan Krebs,
Steffen Lepa,
Andreas Ludwig,
Thomas Mania,
Daniel Morat,
Martin Pfleiderer,
Stefanie Samida,
Nathalie Singer
London in den 1960er Jahren: Warum studierten so viele später berühmte Popmusiker wie Bryan Ferry an den ,Art Schools‘? Was hat Pete Townshends Gitarrenzertrümmerung damit zu tun? Warum tauchten Plattencover der Popmusik auf, die bildende Künstlerinnen und Künstler gestalteten – wie etwa ,Sgt. Pepper‘ und das ,White Album‘ der Beatles? Warum entwickelten bildende Künstlerinnen und Künstler Lightshows zur Musik von ,Soft Machine‘ und ,Cream‘? Und welchen Einfluss hatten die neuartigen ,Art Labs‘ auf David Bowies Karriere? Das Buch begibt sich auf Spurensuche der Entstehungskontexte und lässt dabei Räume wieder auferstehen, die längst vergessen schienen: ,Art Schools‘, Galerien und ,Underground Clubs und Labs‘.
Aktualisiert: 2021-09-16
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The yearbook researches popular music cultures from the past and the present. A prominent part play questions of cultural history, the history of mentality and the history of media, like the relationship of music and song to politics, religion and education. This volume deals with the popular music theatre, and the articles go from the beginnings of the beat-music and the further- and re-use of certain musical and pop songs to original-cast-recordings and the modern music theatre and musical theatre. The journal contains articles in English and German.
Aktualisiert: 2021-01-21
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Das Hollywoodmusical „Singin’ in the Rain“, das Anfang der 1950er-Jahre konzipiert und 1952 produziert wurde, gilt heute als Klassiker bzw. als einer der künstlerisch und kommerziell erfolgreichsten und paradigmatischsten Vertreter seines Genres. Das Musical basiert auf musikalischem Material, das zum großen Teil bereits eine Vorgeschichte sowohl auf der Bühne als auch in anderen medialen Formen der populären Kultur besaß. In der Bühnenversion, welche 1983 am Londoner West End ihre Erstproduktion hatte, erlebt „Singin’ in the Rain“ eine bis heute rege Aufführungs- und Rezeptionsgeschichte.
Das intermediale Miteinander von Songs, Kinofilm und Bühnenwerk macht „Singin’ in the Rain“ mit seinen verschiedenen Werkkomplexen zu einem Schlüsselthema für eine interdisziplinäre Betrachtung des Musicals der Mitte des 20. Jahrhunderts.
Aktualisiert: 2021-06-03
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Das diesjährige Jahrbuch des Zentrums für Populäre Kultur und Musik widmet sich dem Thema »Lieder als Medien des Erinnerns«. In den einzelnen Beiträgen werden u.a. folgende Schwerpunkte behandelt: Lieder russlanddeutscher Immigranten in Amerika; studentische Erinnerungslieder im 19. und 20. Jahrhundert; das Gotteslob als musikalischer Erinnerungsort; sowjetische historische Lieder im 20. Jahrhundert; der Sound von 1968; die diskursive Praxis des Erinnerns in der Kulturwelt Heavy und Extreme Metal oder auch Lieder und populäre Unterhaltungsmusik in der Arbeit mit an Demenz erkrankten Menschen.
Aktualisiert: 2021-01-21
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Der Aufschwung des Theaters in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts schuf einen neuen Arbeitsmarkt, dessen wirtschaftliche Dynamik selbst die Vertreter des Liberalismus überraschte. Innerhalb weniger Jahrzehnte entstand eine Infrastruktur, die dem Theaterleben eine bis dahin unvorstellbare gesellschaftliche Breite verlieh. Vor dem Hintergrund der Industrialisierung, der Landflucht und dem rapiden Anwachsen der Städte wirkten die neuen Aufführungsangebote wie die Demokratisierung eines bislang nur den gehobenen sozialen Gruppierungen zugänglichen kulturellen Vergnügens. Auf diesem Arbeitsmarkt hatte Willi Kollo, der im Laufe seines Lebens als Autor und Komponist für die Operette und Revue, für das Kabarett, den Film und das frühe Fernsehen tätig wurde, nach dem Ersten Weltkrieg seinen Platz. Seine Biografie ist geradezu ideal als eine Art Wegweiser durch die populären Medien des 20. Jahrhunderts.
Aktualisiert: 2020-07-01
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Science-Fiction umfasst und beinhaltet als Möglichkeit künstlerischen Schaffens und als Ort gesellschaftlicher Aushandlung verschiedene Kunstformen und Genres. Musik kann in diesen Kontexten in verschiedener Weise wirksam sein. Daher nimmt der Heftschwerpunkt die „Musik in der Science Fiction“ nicht nur Kinofilme in den Blick, sondern auch SF-Fernsehserien, multimediale Kunstkonzepte, SF-Literatur und Musikgenres, die mit SF-Elementen arbeiten.
Aktualisiert: 2020-06-30
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Dass sich die gesellschaftlichen Verhältnisse in den beiden Dekaden nach dem Zweiten Weltkrieg radikal veränderten, ist eine Binsenweisheit. Allerdings ist die BRD-Filmproduktion der Zeit vor dem Neuen Deutschen Film eine noch kaum erforschte Epoche deutscher Filmgeschichte. Insbesondere das Genre der seinerzeit sehr populären Schlagerfilme ist bisher wenig untersucht worden.
Dieser Band möchte das Repertoire von etwa 250 Filmen anhand ausgewählter Beispiele in seinen diskursiven und sozialhistorischen Zusammenhang einrücken. Dabei wird der Schlagerfilm nicht nur als ein Genre der Kino- bzw. Musikunterhaltung betrachtet, sondern zugleich als ein Spiegel der Zeitgeschichte.
Aktualisiert: 2021-01-23
Autor:
Caroline Amann,
Detlef Arlt,
Elisabeta Fabrici,
Michael Fischer,
Stefanie Mathilde Frank,
Theresa Georgen,
Réka Gulyás,
Bernd Hoffmann,
Martin Lücke,
Klaus Nathaus,
Lucian Schiwietz,
Gabriele Vogt,
Hans-Jürgen Wulff
Der vorliegende Band geht auf das internationale Symposium „Weill und Frankreich“ zurück, das 2012 im Rahmen des Kurt Weill Festes „Hommage à Paris“ stattgefunden hat.
Thematisch fokussieren die Beiträge auf die kulturellen Kontexte, die Kurt Weill während seiner Exiljahre in Frankreich (1933–1935) vorgefunden hat, sowie auf die Wechselbeziehungen zwischen dem Schaffen Weills und diesen Kontexten. Nicht nur die vielfältigen französischen Einflüsse, denen Weill ausgesetzt war, sowie während seiner Pariser Jahre entstandene Werke werden beleuchtet, sondern auch die Rezeption Weills und die der französischen Musik in Deutschland zwischen den Weltkriegen, die Bedeutung von Paris als Stadt der deutschen Musiker- und Intellektuellenemigration nach 1933, und die musikkulturellen Phänomene, die Paris in das Zentrum der europäischen Musikszene rückten und die Stadt zur kulturellen Vermittlungsinstanz des frühen 20. Jahrhunderts erhoben.
Entstanden ist ein Band, der den Leserinnen und Lesern nicht nur die Exilzeit Kurt Weills in Paris näherbringt, sondern darüber hinaus historische, kulturwissenschaftliche, werkanalytische, musikästhetische und rezeptionsgeschichtliche Aspekte in den Blick nimmt und somit für einen breiten Leserkreis geöffnet ist.
Aktualisiert: 2019-04-21
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Diese Festschrift für Max Matter zum 65. Geburtstag versammelt kulturwissenschaftliche Essays zu Themen, die im Mittelpunkt Matters wissenschaftlichen Schaffens standen und stehen: Fremdheit und Migration. Hinzu kommt die Musik – als Bestandteil popular-kulturwissenschaftlicher Forschung, mit der er als Direktor des Deutschen Volksliedarchivs befasst war.
Aktualisiert: 2019-03-28
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Längst gilt der New Yorker Broadway schon nahezu als Inbegriff für die amerikanische Musicalkultur – doch wie klingt er eigentlich, dieser Broadway-Sound? Und wie hat er sich im Lauf der Zeit entwickelt? Dieser Band untersucht den historischen Broadway-Sound anhand typischer Orchestrierungen verschiedener Broadway-Musicals des 20. Jahrhunderts. Dabei spielt neben musikalischen Einflüssen auch der technische Fortschritt eine bedeutende Rolle. Auch das Prestige und die damit einhergehende Macht einzelner Persönlichkeiten werden in die Analyse miteinbezogen. Durch einen Vergleich mit Neuauflagen und Compilations von Musicals aus den 1930er- und 1940er-Jahren wird aufgezeigt, inwieweit deren orchestraler Sound re-kreiert, imitiert oder auch glorifiziert wurde und welche Rolle die wechselvolle Rezeptionsgeschichte des Jazz dabei spielt.
Aktualisiert: 2021-01-23
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Anlässlich der Jubiläen des Dreißigjährigen Kriegs und des Ersten Weltkriegs versammelt dieser Band Beiträge zum Thema „Musik im Krieg“ aus verschiedenen Fachdisziplinen. Die Gegenstände reichen von der Frühen Neuzeit über den amerikanischen Bürgerkrieg und die ‚Großen Kriege‘ bis hin zu den Konflikten um die Falklandinseln und die Belagerung von Sarajevo.
Aktualisiert: 2022-03-17
Autor:
Markus Bandur,
Philip V. Bohlmann,
Albrecht Classen,
James Davis,
Tiiu Ernits,
Torsten Eßer,
Mara Favoretto,
Michael Fischer,
Golan Gur,
Petra Hamer,
Manfred Heidler,
Knut Holtsträter,
Wolfgang Jansen,
Heather Josselyn-Cranson,
Lidia López Goméz,
Eberhard Nehlsen,
Martin Rempe,
Britta Sweers,
Peter Tschmuck,
Tobias Widmaier
Entstanden am New Yorker Broadway stellt das Musical längst auch im deutschsprachigen Raum einen festen Bestandteil der Theaterlandschaft und urbaner Unterhaltungskultur dar. Dabei trifft die Gattung hierzulande auf gänzlich andere VorausSetzungen als in der überwiegend privatwirtschaftlich organisierten Theaterszene am Broadway. Ausgehend von einer Auswertung der Spielpläne, anhand von Werkbetrachtungen sowie auf der Grundlage von Interviews mit führenden Köpfen der Musical-Szene werden die konstituierenden Rahmenbedingungen betrachtet, unter denen Künstler/innen und Produzent/inn/en im deutschsprachigen Raum neue Musicals kreieren und zur Uraufführung bringen.
Aktualisiert: 2021-01-23
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Der Band geht der Frage nach, mit welchen Mitteln es Musikerinnen im Fortlauf der Zeit gelang, dem männlich dominierten Mainstream eine selbstbewusste Darstellung von Weiblichkeit entgegenzuSetzen. Zu berücksichtigen ist hierbei, dass den Musikerinnen die Räume, sich selbstbewusst und selbstbestimmt zu präsentieren, nicht ohne Weiteres zugestanden wurden – sie mussten vielmehr erkämpft werden. Die Star-Karrieren von Musikerinnen lassen sich nicht nur als Geschichten sich ausformender Images und Performance-Stile lesen, sondern auch – und insbesondere – als Geschichten der Selbstermächtigung und Selbstbehauptung.
Aktualisiert: 2021-01-23
Autor:
Giacomo Bottà,
Michael Fischer,
Nils Grosch,
Rebecca Grotjahn,
Knut Holtsträter,
Fernand Hörner,
Christofer Jost,
Janina Klassen,
Vanessa Kleinschnittger,
Sarah Schauberger,
Frauke Schmitz-Gropengießer,
Thomas Seedorf,
Carolin Stahrenberg
Jodeln ist eine Ausnahmeerscheinung unter den Gesangskünsten, eine hochspezialisierte Form des Singens. Allein im deutschsprachigen Raum gibt es zahlreiche regionale Formen mit eigenständigen Merkmalen. Der Harz sticht durch akrobatische Motive hervor, die Jahr für Jahr bei Jodlerwettstreiten in Konkurrenz zueinander treten.
In dieser Analyse findet diese Harzer Musikgeschichte Beachtung: von der Randerscheinung Jodeln zu Beginn des 20. Jahrhunderts über die Etablierung zum klanglichen Markenzeichen während der NS-Zeit bis hin zur mächtigen Folklorebewegung nach 1945 in beiden Teilen Deutschlands. Die Autorin betrachtet die Szene der Harzer Jodlerinnen und Jodler, der Folklore- und Heimatgruppen mit Hilfe der Theorie der sozialen Praktiken. Die Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle zwischen Musikethnologie, Geschichtswissenschaften, Volkskunde und Ethnologie.
Aktualisiert: 2020-05-16
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Das Adjektiv „professionell“ ist schnell zu Hand, wenn es um die qualitative Einschätzung von populärmusikalischen Handlungen und Produkten geht. Sei es, dass etwas „professionell gemacht“ ist, sich im musikalischen Handeln eine „professionelle Haltung“ widerspiegelt oder der/die AkteurIn einfach ein „Profi“ ist oder zumindest so agiert. Das „Professionelle“ als Kategorie der Zuschreibung funktioniert in unserer alltäglichen und Fachkommunikation, es erleichtert uns in gewisser Weise die Verständigung über gemeinsam verhandelte Phänomene. Oft schwebt aber die ungeklärte Frage im Raum, wer oder was eigentlich bestimmt, wer oder was professionell ist. Unter diesem Themenschwerpunkt sind Beiträge aus der Musikpädagogik, der Musikwirtschaftsforschung, der Soziologie, der historischen Musikwissenschaft und der Popmusikforschung versammelt.
Aktualisiert: 2020-05-16
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Dieses Buch schließt eine wichtige Lücke in der Fachliteratur zum deutschsprachigen Lied des 16. und 17. Jahrhunderts:
Der erste Teil von Lukas Richter bietet einen umfassenden musik- und gesellschaftsgeschichtlichen Umriss des populären Liedes, dessen Entwicklungen und Strukturen vor dem Hintergrund von Reformation und Gegenreformation, traditioneller, geistlicher, studentischer und bürgerlicher Singpraxis im Zusammenhang dargestellt werden.
Der zweite Teil von Albrecht Classen verschafft aus literaturgeschichtlicher Sicht Einblicke in eine große Zahl von bisher wenig beachteten weltlichen Liederbüchern vom mittleren 16. Jahrhundert bis hin zum Venusbüchlein von 1659. Zahlreiche Textbeispiele, die bislang im Schatten barocker Lyrik abschätzig beurteilt wurden, werden hier einer gründlichen Autopsie unterworfen und im Hinblick auf ihre literatur- und mentalitätsgeschichtliche Bedeutung ausgewertet.
Aktualisiert: 2021-01-21
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