Eine Leseprobe finden Sie unter "https://verlag.sandstein.de/reader/98-675_IntoTheNew"
Die US-amerikanische Kunst der letzten achtzig Jahre ist voller Grenzüberschreitungen und Widersprüche, so unkonventionell wie vielgestaltig. In kurzer Zeit entwickelten sich in New York und an der Westküste geradezu gegensätzliche ästhetische Konzepte. Künstler wählten Medium sowie Material frei und strategisch. Der Druckgrafik kam eine Schlüsselrolle zu. Als Labor formaler wie inhaltlicher Experimente erschloss sie neue Wege. Es entstanden Werke von ausgeklügelter technischer Raffinesse, oft in selbstbewusst großem Format. Diese druckgrafische Revolution ging in die Kunstgeschichte als »Graphic Boom« ein. Geprägt von politischen, wirtschaftlichen oder gesellschaftlichen Umbrüchen und Krisen verhandeln viele der Werke die Frage nach dem Allgemeinmenschlichen. An die Stelle einer mimetischen Repräsentation der menschlichen Figur tritt nun zeichenhaft Abstrahiertes, das Fragment, der Abdruck, die Leerstelle.
Der Katalog beleuchtet Werke von Louise Bourgeois, Chuck Close, Jim Dine, Jasper Johns, Bruce Nauman, Jackson Pollock, Larry Rivers, Kiki Smith, Kara Walker und anderen aus dem Städel Museum, das seit den 1960er Jahren kontinuierlich zeitgenössische US-amerikanische Kunst auf Papier sammelt.
Aktualisiert: 2023-06-16
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Die US-amerikanische Kunst der letzten achtzig Jahre ist voller Grenzüberschreitungen und Widersprüche, so unkonventionell wie vielgestaltig. In kurzer Zeit entwickelten sich in New York und an der Westküste geradezu gegensätzliche ästhetische Konzepte. Künstler wählten Medium sowie Material frei und strategisch. Der Druckgrafik kam eine Schlüsselrolle zu. Als Labor formaler wie inhaltlicher Experimente erschloss sie neue Wege. Es entstanden Werke von ausgeklügelter technischer Raffinesse, oft in selbstbewusst großem Format. Diese druckgrafische Revolution ging in die Kunstgeschichte als »Graphic Boom« ein. Geprägt von politischen, wirtschaftlichen oder gesellschaftlichen Umbrüchen und Krisen verhandeln viele der Werke die Frage nach dem Allgemeinmenschlichen. An die Stelle einer mimetischen Repräsentation der menschlichen Figur tritt nun zeichenhaft Abstrahiertes, das Fragment, der Abdruck, die Leerstelle.
Der Katalog beleuchtet Werke von Louise Bourgeois, Chuck Close, Jim Dine, Jasper Johns, Bruce Nauman, Jackson Pollock, Larry Rivers, Kiki Smith, Kara Walker und anderen aus dem Städel Museum, das seit den 1960er Jahren kontinuierlich zeitgenössische US-amerikanische Kunst auf Papier sammelt.
Aktualisiert: 2023-06-16
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Die US-amerikanische Kunst der letzten achtzig Jahre ist voller Grenzüberschreitungen und Widersprüche, so unkonventionell wie vielgestaltig. In kurzer Zeit entwickelten sich in New York und an der Westküste geradezu gegensätzliche ästhetische Konzepte. Künstler wählten Medium sowie Material frei und strategisch. Der Druckgrafik kam eine Schlüsselrolle zu. Als Labor formaler wie inhaltlicher Experimente erschloss sie neue Wege. Es entstanden Werke von ausgeklügelter technischer Raffinesse, oft in selbstbewusst großem Format. Diese druckgrafische Revolution ging in die Kunstgeschichte als »Graphic Boom« ein. Geprägt von politischen, wirtschaftlichen oder gesellschaftlichen Umbrüchen und Krisen verhandeln viele der Werke die Frage nach dem Allgemeinmenschlichen. An die Stelle einer mimetischen Repräsentation der menschlichen Figur tritt nun zeichenhaft Abstrahiertes, das Fragment, der Abdruck, die Leerstelle.
Der Katalog beleuchtet Werke von Louise Bourgeois, Chuck Close, Jim Dine, Jasper Johns, Bruce Nauman, Jackson Pollock, Larry Rivers, Kiki Smith, Kara Walker und anderen aus dem Städel Museum, das seit den 1960er Jahren kontinuierlich zeitgenössische US-amerikanische Kunst auf Papier sammelt.
Aktualisiert: 2023-03-23
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Dass die „unbunten“ (Wilhelm Ostwald) Farben Schwarz, Weiß und Grau ein spannungsreiches Potential besitzen, wird am Werk des US-amerikanischen Künstlers Richard Artschwager (1923–2013) deutlich, der sowohl malerisch als auch bildhauerisch tätig war. Er leitete 1962 in seiner Malerei eine radikale Wende ein, indem er fortan nur noch „unbunte“ Bilder malte. Wie er in diesen Arbeiten Schwarz-Weiß-Fotografie, Kohle-Zeichnung, Malerei und Objekt miteinander zu einer „Grauzone“ der Gattungen verbunden hat, macht die Untersuchung von Franziska Storch deutlich. Und sie zeigt auf, dass Artschwager das vermeintlich neutrale Grau verwendet hat, um zeitgenössische Strömungen und Diskurse aufzugreifen sowie zu kommentieren. Die Autorin arbeitet den Witz und den Intellekt des Künstlers heraus, der sich in seinem Umgang mit den „unbunten“ Farben spiegelt.
Aktualisiert: 2020-10-01
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Jannis Kounellis (geb. 1936 in Piräus) ist einer der bedeutendsten unter jenen Künstlern, die ab den späten 1960er Jahren, subsumiert als Vertreter der Arte Povera, weltweite Berühmtheit erlangten. Doch die Rezeption seines künstlerischen Schaffens leidet bis heute unter dieser einschränkenden Etikettierung. Die Autorin zeigt anhand der Untersuchung des Künstlers, dass die Arte Povera vor dem kulturell-künstlerischen Hintergrund dessen zu sehen ist, was in den 1950er und 60er Jahren vornehmlich in der noch jungen New Yorker Kunstszene geschah. Für Kounellis, seit 1956 in Rom lebend, spielte sowohl das spezifische römische Umfeld mit der Scuola di Piazza del Popolo als auch die Auseinandersetzung mit den in Rom arbeitenden US-amerikanischen Künstlern wie Robert Rauschenberg oder Cy Twombly eine entscheidende Rolle. Zugleich war es ihm bereits frühzeitig möglich, einen Einblick in die New Yorker Kunstszene und die neuen Strömungen der 1960er Jahre zu nehmen. In diesem erweiterten Betrachtungswinkel entstehen neue Bezüge etwa zu Minimal Art und Antiform. Arte Povera fügt sich dabei in hohem Maße in einen internationalen Diskurs ein; es stellt weniger ein regionales, rein italienisches Phänomen dar. Die umfassende Darstellung basiert auf Zeitungsund Zeitschriftenbeiträgen, teilweise unveröffentlichten Quellen und zahlreichen Interviews mit Beteiligten und dem Künstler selbst.
Aktualisiert: 2019-05-20
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Agnes Martins Werk und Person werden immer wieder mit ostasiatischen Philosophien in Verbindung gebracht. Eine Zuschreibung, die eher dem Mythos um ihre Person dient als der Analyse ihrer Kunst.
Die bildästhetische und kulturphilosophische Studie eröffnet einen neuen Blick auf die Aneignung von „Asiatischem“ im Werk Martins, indem sie transkulturelle Übersetzungsprozesse in den Fokus rückt. Dazu werden die historischen Voraussetzungen für die Konstruktion von Asianismen in den USA verfolgt.
Im Zentrum der Werkanalyse stehen wahrnehmungsästhetische Bildkonzepte und gestalterische Prinzipien wie die Vorrangigkeit der Linie, das Bildraster als Reflexionsform der Fülle in der Leere und die Diffusität des Bildgrunds. Die Betrachtung im Kontext indigener Bildpraktiken (z.B. Hopi und Navajo) eröffnet einen interkulturellen Bezugsrahmen für die Diskussion des Kulturtransferpotenzials jener Praktiken. Damit werden alternative Vorstellungen von Autorschaft und transsubjektive Konzepte in Martins Werk freigelegt.
Aktualisiert: 2020-01-16
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